Πάμπλο Πικάσο: έργα, χαρακτηριστικά στυλ. Κυβισμός Πάμπλο Πικάσο

2024 Συγγραφέας: Leah Sherlock | [email protected]. Τελευταία τροποποίηση: 2023-12-17 05:32

Δεν υπάρχει σχεδόν κανένα άτομο στον πλανήτη που να μην είναι εξοικειωμένο με το όνομα Πάμπλο Πικάσο. Ο ιδρυτής του κυβισμού και ένας καλλιτέχνης πολλών στυλ τον 20ο αιώνα επηρέασε τις καλές τέχνες όχι μόνο στην Ευρώπη, αλλά και σε ολόκληρο τον κόσμο.

Καλλιτέχνης Pablo Picasso: παιδική ηλικία και χρόνια σπουδών

Ένας από τους πιο λαμπρούς καλλιτέχνες του 20ου αιώνα γεννήθηκε στη Μάλαγα, σε ένα σπίτι στην πλατεία Merced, το 1881, στις 25 Οκτωβρίου. Τώρα υπάρχει ένα μουσείο και ένα ταμείο με το όνομα του Π. Πικάσο. Ακολουθώντας την ισπανική παράδοση κατά τη βάπτιση, οι γονείς έδωσαν στο αγόρι ένα αρκετά μεγάλο όνομα, το οποίο είναι μια εναλλαγή των ονομάτων των αγίων και των πιο κοντινών και πιο σεβαστών συγγενών της οικογένειας. Τελικά, είναι γνωστός από τον πρώτο και τον τελευταίο του. Ο Πάμπλο αποφάσισε να πάρει το επώνυμο της μητέρας του, θεωρώντας τον πατέρα του πολύ απλό. Το ταλέντο και η λαχτάρα του αγοριού για το σχέδιο εκδηλώθηκαν από την πρώιμη παιδική ηλικία. Τα πρώτα και πολύ πολύτιμα μαθήματα του έδωσε ο πατέρας του, ο οποίος ήταν επίσης καλλιτέχνης. Το όνομά του ήταν Χοσέ Ρουίζ. Ζωγράφισε την πρώτη του σοβαρή εικόνα σε ηλικία οκτώ ετών - "Picador". Μπορούμε να πούμε με ασφάλεια ότι μαζί της ξεκίνησε το έργο του Πάμπλο Πικάσο. Ο πατέρας του μελλοντικού καλλιτέχνη έλαβε μια πρόταση εργασίαςδάσκαλος στη Λα Κορούνια το 1891, και σύντομα η οικογένεια μετακόμισε στα βόρεια της Ισπανίας. Στο ίδιο μέρος, ο Πάμπλο σπούδασε στην τοπική σχολή τέχνης για ένα χρόνο. Στη συνέχεια, η οικογένεια μετακόμισε σε μια από τις πιο όμορφες πόλεις - τη Βαρκελώνη. Ο νεαρός Πικάσο ήταν 14 ετών τότε και ήταν πολύ μικρός για να σπουδάσει στη La Lonja (Σχολή Καλών Τεχνών). Ωστόσο, ο πατέρας κατάφερε να εξασφαλίσει ότι θα εισαχθεί στις εισαγωγικές εξετάσεις σε ανταγωνιστική βάση, με τις οποίες ανταπεξήλθε άψογα. Μετά από άλλα τέσσερα χρόνια, οι γονείς του αποφάσισαν να τον γράψουν στην καλύτερη προηγμένη σχολή τέχνης εκείνη την εποχή - το "San Fernando" στη Μαδρίτη. Η φοίτηση στην ακαδημία βαρέθηκε γρήγορα το νεαρό ταλέντο· στους κλασικούς κανόνες και κανόνες της, ήταν στριμωγμένος και μάλιστα βαρεμένος. Ως εκ τούτου, αφιέρωσε περισσότερο χρόνο στο Μουσείο Πράδο και στη μελέτη των συλλογών του και ένα χρόνο αργότερα επέστρεψε στη Βαρκελώνη. Πίνακες ζωγραφικής που ζωγράφισε το 1986 ανήκουν στην πρώιμη περίοδο του έργου του: «Αυτοπροσωπογραφία» του Πικάσο, «Πρώτη Κοινωνία» (απεικονίζει την αδελφή του καλλιτέχνη Λόλα), «Πορτρέτο μιας μητέρας» (φωτογραφία παρακάτω).

Κατά τη διάρκεια της παραμονής του στη Μαδρίτη, έκανε το πρώτο του ταξίδι στο Παρίσι, όπου μελέτησε όλα τα μουσεία και τους πίνακες των μεγαλύτερων δασκάλων. Στη συνέχεια, θα ερχόταν σε αυτό το κέντρο της παγκόσμιας τέχνης αρκετές φορές και το 1904 θα μετακομίσει επιτέλους.

Μπλε περίοδος

Αυτή η χρονική περίοδος μπορεί να θεωρηθεί ως λυδία λίθος, είναι αυτή τη στιγμή που η ατομικότητα του Πικάσο, που εξακολουθεί να υπόκειται σε εξωτερική επιρροή, αρχίζει να εμφανίζεται στο έργο. Γνωστό γεγονός: το ταλέντο του δημιουργικούΗ φύση εκδηλώνεται όσο πιο φωτεινά γίνεται σε δύσκολες καταστάσεις ζωής. Αυτό ακριβώς συνέβη με τον Πάμπλο Πικάσο, τα έργα του οποίου είναι πλέον γνωστά σε όλο τον κόσμο. Η απογείωση υποκινήθηκε και ήρθε μετά από μια μακρά κατάθλιψη που προκλήθηκε από τον θάνατο του στενού φίλου Carlos Casagemas. Το 1901, στην έκθεση που διοργάνωσε ο Vollard, παρουσιάστηκαν 64 έργα του καλλιτέχνη, αλλά εκείνη την εποχή ήταν ακόμα γεμάτα αισθησιασμό και φωτεινότητα, η επιρροή των ιμπρεσιονιστών ήταν ξεκάθαρα αισθητή. Η «μπλε» περίοδος του έργου του εισήλθε σταδιακά στα νόμιμα δικαιώματά της, εκδηλώνοντας άκαμπτα περιγράμματα μορφών και απώλεια της τρισδιάστατης εικόνας, απομακρύνοντας τους κλασικούς νόμους της καλλιτεχνικής προοπτικής. Η παλέτα των χρωμάτων στους καμβάδες του γίνεται όλο και πιο μονότονη, η έμφαση δίνεται στο μπλε. Η αρχή της περιόδου μπορεί να θεωρηθεί το «Πορτρέτο του Jaime Sabartes» και η αυτοπροσωπογραφία του Πικάσο, ζωγραφισμένη το 1901.

Πίνακες της «μπλε» περιόδου

Οι λέξεις-κλειδιά κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου για τον κύριο ήταν λέξεις όπως μοναξιά, φόβος, ενοχές, πόνος. Το 1902 θα επιστρέψει ξανά στη Βαρκελώνη, αλλά δεν θα μπορέσει να μείνει εκεί. Η τεταμένη κατάσταση στην πρωτεύουσα της Καταλονίας, η φτώχεια από όλες τις πλευρές και η κοινωνική αδικία έχουν ως αποτέλεσμα λαϊκή αναταραχή, που σταδιακά κατέκλυσε όχι μόνο ολόκληρη την Ισπανία, αλλά και την Ευρώπη. Μάλλον αυτή η κατάσταση είχε αντίκτυπο στον καλλιτέχνη, ο οποίος φέτος εργάζεται γόνιμα και εξαιρετικά σκληρά. Στο σπίτι δημιουργούνται αριστουργήματα της "μπλε" περιόδου: "Δύο αδερφές (Ραντεβού)", "Ένας γέρος Εβραίος με ένα αγόρι", "Τραγωδία" (φωτογραφία του καμβάπαραπάνω), «Life», όπου για άλλη μια φορά εμφανίζεται η εικόνα του νεκρού Casagemas. Το 1901 ζωγραφίστηκε και ο πίνακας «The Absinthe Drinker». Ανιχνεύει την επιρροή του δημοφιλούς εκείνης της εποχής πάθους για «κακό» χαρακτήρες, χαρακτηριστικό της γαλλικής τέχνης. Το θέμα του αψέντι ακούγεται σε πολλούς πίνακες. Το έργο του Πικάσο, μεταξύ άλλων, είναι γεμάτο δράμα. Το υπερτροφικό χέρι μιας γυναίκας, με το οποίο φαίνεται να προσπαθεί να προστατεύσει τον εαυτό της, τραβάει τα βλέμματα ιδιαίτερα καθαρά. Επί του παρόντος, το The Absinthe Drinker αποθηκεύεται στο Ερμιτάζ, έχοντας φτάσει εκεί από μια ιδιωτική και πολύ εντυπωσιακή συλλογή έργων του Πικάσο (51 έργα) του S. I. Shchukin μετά την επανάσταση.

Μόλις δοθεί η ευκαιρία να επιστρέψει στο Παρίσι, ο καλλιτέχνης αποφασίζει να το χρησιμοποιήσει χωρίς δισταγμό και φεύγει από την Ισπανία την άνοιξη του 1904. Εκεί θα συναντήσει νέα ενδιαφέροντα, αισθήσεις και εντυπώσεις, που θα δημιουργήσουν ένα νέο στάδιο στη δουλειά του.

«Ροζ» περίοδος

Στο έργο του Πικάσο, αυτό το στάδιο διήρκεσε σχετικά μεγάλο χρονικό διάστημα - από το 1904 (φθινόπωρο) έως τα τέλη του 1906 - και δεν ήταν εντελώς ομοιογενές. Οι περισσότεροι πίνακες της περιόδου χαρακτηρίζονται από μια ελαφριά γκάμα χρωμάτων, την εμφάνιση ώχρας, μαργαριτάρι-γκρι, κόκκινο-ροζ τόνους. Χαρακτηριστική είναι η εμφάνιση και η επακόλουθη κυριαρχία νέων θεμάτων για το έργο του καλλιτέχνη - ηθοποιοί, ερμηνευτές τσίρκου και ακροβάτες, αθλητές. Φυσικά, τη συντριπτική πλειοψηφία του υλικού του παρείχε το τσίρκο Medrano, που εκείνα τα χρόνια βρισκόταν στους πρόποδες της Μονμάρτρης. Η λαμπερή θεατρική ατμόσφαιρα, τα κοστούμια, η συμπεριφορά, η ποικιλία των τύπων έμοιαζαν να επαναφέρουν τον Π. Πικάσο στονο κόσμος, αν και μεταμορφωμένος, αλλά πραγματικές μορφές και όγκοι, φυσικός χώρος. Οι εικόνες στους πίνακές του έγιναν και πάλι αισθησιακές και γέμισαν ζωή, φωτεινότητα, σε αντίθεση με τους χαρακτήρες της «μπλε» σκηνής της δημιουργικότητας.

Πάμπλο Πικάσο: έργα της «ροζ» περιόδου

Οι πίνακες που σηματοδότησαν την αρχή μιας νέας περιόδου εκτέθηκαν για πρώτη φορά στα τέλη του χειμώνα του 1905 στη γκαλερί Serurier - αυτοί είναι το "Seated Nude" και το "Actor". Ένα από τα αναγνωρισμένα αριστουργήματα της «ροζ» περιόδου είναι το «The Family of Comedians» (φωτογραφία παραπάνω). Ο καμβάς έχει εντυπωσιακές διαστάσεις - σε ύψος και πλάτος άνω των δύο μέτρων. Οι φιγούρες των ερμηνευτών του τσίρκου απεικονίζονται στο γαλάζιο του ουρανού, είναι γενικά αποδεκτό ότι ο αρλεκίνος στη δεξιά πλευρά είναι ο ίδιος ο Πικάσο. Όλοι οι χαρακτήρες είναι στατικοί και δεν υπάρχει εσωτερική εγγύτητα μεταξύ τους, όλοι ήταν εγκλωβισμένοι από την εσωτερική μοναξιά - το θέμα ολόκληρης της «ροζ» περιόδου. Επιπλέον, αξίζει να σημειωθούν τα ακόλουθα έργα του Πάμπλο Πικάσο: «Γυναίκα με πουκάμισο», «Τουαλέτα», «Αγόρι που οδηγεί ένα άλογο», «Ακροβάτες. Μητέρα και γιος», «Κορίτσι με κατσίκα». Όλα δείχνουν στον θεατή την ομορφιά και τη γαλήνη που σπανίζουν για τους πίνακες του καλλιτέχνη. Μια νέα ώθηση στη δημιουργικότητα συνέβη στα τέλη του 1906, όταν ο Πικάσο ταξίδεψε στην Ισπανία και κατέληξε σε ένα μικρό χωριό στα Πυρηναία.

Αφρικανική δημιουργική περίοδος

Ο Π. Πικάσο συνάντησε για πρώτη φορά την αρχαϊκή αφρικανική τέχνη στη θεματική έκθεση του Μουσείου Τροκαντερό. Εντυπωσιάστηκε από ειδωλολατρικά είδωλα πρωτόγονης μορφής, εξωτικές μάσκες και ειδώλια, που ενσάρκωναν τη μεγάλη δύναμη της φύσης καιμακριά από τις πιο μικρές λεπτομέρειες. Η ιδεολογία του καλλιτέχνη συνέπεσε με αυτό το ισχυρό μήνυμα, και ως αποτέλεσμα, άρχισε να απλοποιεί τους χαρακτήρες του, κάνοντάς τους να μοιάζουν με πέτρινα είδωλα, μνημειώδη και αιχμηρά. Ωστόσο, το πρώτο έργο προς την κατεύθυνση αυτού του στυλ εμφανίστηκε το 1906 - αυτό είναι ένα πορτρέτο του έργου του Pablo Picasso από τη συγγραφέα Gertrude Stein. Ξαναέγραψε την εικόνα 80 φορές και έχει ήδη χάσει εντελώς την πίστη της στη δυνατότητα να ενσαρκώσει την εικόνα της σε κλασικό στυλ. Αυτή η στιγμή μπορεί δικαίως να ονομαστεί μεταβατική από την ακόλουθη φύση στην παραμόρφωση της μορφής. Απλώς δείτε καμβάδες όπως "Γυμνή γυναίκα", "Χορός με πέπλα", "Δρυάδα", "Φιλία", "Προτομή ενός ναύτη", "Αυτοπροσωπογραφία".

Αλλά ίσως το πιο εντυπωσιακό παράδειγμα της αφρικανικής σκηνής του έργου του Πικάσο είναι ο πίνακας "Κορίτσια της Αβινιόν" (φωτογραφία παραπάνω), στον οποίο ο δάσκαλος εργάστηκε για περίπου ένα χρόνο. Στέφθηκε αυτό το στάδιο της δημιουργικής διαδρομής του καλλιτέχνη και καθόρισε σε μεγάλο βαθμό τη μοίρα της τέχνης στο σύνολό της. Για πρώτη φορά, ο καμβάς είδε το φως μόλις τριάντα χρόνια μετά τη συγγραφή του και έγινε μια ανοιχτή πόρτα στον κόσμο της πρωτοπορίας. Ο μποέμικος κύκλος του Παρισιού κυριολεκτικά χωρίστηκε σε δύο στρατόπεδα: «υπέρ» και «κατά». Ο πίνακας αυτή τη στιγμή φυλάσσεται στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης στην πόλη της Νέας Υόρκης.

Ο κυβισμός στα έργα του Πικάσο

Το πρόβλημα της μοναδικότητας και της ακρίβειας της εικόνας παρέμεινε στην πρώτη θέση στην ευρωπαϊκή καλλιτεχνική τέχνη μέχρι τη στιγμή που ξέσπασε ο κυβισμός. Η ώθηση για την ανάπτυξή του θεωρείται από πολλούς το ερώτημα που προέκυψε μεταξύ των καλλιτεχνών: «Γιατί να ζωγραφίζεις;»Στις αρχές του 20ου αιώνα, σχεδόν ο καθένας μπορούσε να διδαχθεί μια αξιόπιστη εικόνα αυτού που βλέπετε, και η φωτογραφία ήταν κυριολεκτικά στα πόδια, κάτι που απειλούσε να εκτοπίσει εντελώς και εντελώς οτιδήποτε άλλο. Οι οπτικές εικόνες γίνονται όχι μόνο πιστευτές, αλλά και προσβάσιμες, αναπαράγονται εύκολα. Ο κυβισμός του Πάμπλο Πικάσο σε αυτή την περίπτωση αντανακλά την ατομικότητα του δημιουργού, αρνούμενος μια εύλογη εικόνα του έξω κόσμου και ανοίγοντας εντελώς νέες δυνατότητες, τα όρια της αντίληψης.

Τα πρώτα έργα περιλαμβάνουν: «Γλάστρα, ποτήρι και βιβλίο», «Μπάνιο», «Μπουκέτο λουλούδια σε μια γκρίζα κανάτα», «Μπολ με ψωμί και φρούτα στο τραπέζι» κ.λπ. Οι καμβάδες δείχνουν ξεκάθαρα πώς το στυλ του καλλιτέχνη αλλάζει και γίνεται όλο και πιο αφηρημένο προς το τέλος της περιόδου (1918-1919). Για παράδειγμα, "Arlequin", "Three Musicians", "Still Life with Guitar" (φωτογραφία παραπάνω). Η συσχέτιση των θεατών του έργου του πλοιάρχου με την αφαίρεση δεν ταίριαζε καθόλου στον Πικάσο, το πολύ συναισθηματικό μήνυμα των πινάκων, το κρυμμένο νόημά τους, ήταν σημαντικό για αυτόν. Στο τέλος, το στυλ του κυβισμού που ο ίδιος δημιούργησε έπαψε σταδιακά να εμπνέει και να ενδιαφέρει τον καλλιτέχνη, ανοίγοντας το δρόμο για νέες τάσεις στη δημιουργικότητα.

Κλασική περίοδος

Η δεύτερη δεκαετία του 20ου αιώνα ήταν αρκετά δύσκολη για τον Πικάσο. Έτσι, το 1911 σημαδεύτηκε από μια ιστορία με κλεμμένα ειδώλια από το Λούβρο, που δεν έβαλαν τον καλλιτέχνη στο καλύτερο φως. Το 1914, αποδείχθηκε ότι, ακόμη και αφού έζησε στη χώρα για τόσα χρόνια, ο Πικάσο δεν ήταν έτοιμος να πολεμήσει για τη Γαλλία στον Πρώτο Παγκόσμιο Πόλεμο, ο οποίος τον χώρισε από πολλούς φίλους. Και στοτον επόμενο χρόνο, ο αγαπημένος του Marcel Humbert πέθανε.

Πολλοί εξωτερικοί παράγοντες επηρέασαν επίσης την επιστροφή ενός πιο ρεαλιστικού Πάμπλο Πικάσο στο έργο του, τα έργα του οποίου ήταν και πάλι γεμάτα με αναγνωσιμότητα, παραστατικότητα και καλλιτεχνική λογική. Συμπεριλαμβανομένου ενός ταξιδιού στη Ρώμη, όπου ήταν εμποτισμένος με την αρχαία τέχνη, καθώς και επικοινωνία με τον θίασο μπαλέτου Diaghilev και γνωριμία με την μπαλαρίνα Olga Khokhlova, η οποία σύντομα έγινε η δεύτερη σύζυγος του καλλιτέχνη. Η αρχή μιας νέας περιόδου μπορεί να θεωρηθεί το πορτρέτο της του 1917, που κατά κάποιο τρόπο είχε πειραματικό χαρακτήρα. Το ρωσικό μπαλέτο του Πάμπλο Πικάσο όχι μόνο ενέπνευσε τη δημιουργία νέων αριστουργημάτων, αλλά παρουσίασε και τον αγαπημένο και πολυαναμενόμενο γιο του. Τα πιο διάσημα έργα της περιόδου: Όλγα Χόχλοβα (φωτογραφία πάνω), Πιερό, Νεκρή φύση με κανάτα και μήλα, Κοιμωμένοι χωρικοί, Μητέρα και παιδί, Γυναίκες που τρέχουν στην παραλία, Τρεις Χάριτες.

Σουρεαλισμός

Ο διαχωρισμός της δημιουργικότητας δεν είναι παρά η επιθυμία να την τακτοποιήσεις και να την συμπιέσεις σε ένα συγκεκριμένο (στιλιστικό, χρονικό) πλαίσιο. Ωστόσο, στο έργο του Πάμπλο Πικάσο, του οποίου οι διάσημοι πίνακες κοσμούν τα καλύτερα μουσεία και γκαλερί στον κόσμο, αυτή η προσέγγιση μπορεί να ονομαστεί πολύ υπό όρους. Αν ακολουθήσετε τη χρονολογία, τότε η περίοδος που ο καλλιτέχνης ήταν κοντά στον σουρεαλισμό πέφτει στο 1925-1932. Δεν είναι καθόλου περίεργο που η μούσα επισκέφτηκε τον κύριο του πινέλου σε κάθε στάδιο της δουλειάς του και όταν η Ο. Χόχλοβα θέλησε να αναγνωρίσει τον εαυτό της στους καμβάδες του, στράφηκε στον νεοκλασικισμό. Ωστόσο, οι δημιουργικοί άνθρωποι είναι άστατοι, και σύντομα μπαίνουν στη ζωή του Πικάσομπήκε η νεαρή και πολύ όμορφη Μαρία Τερέζα Γουόλτερ, η οποία την εποχή της γνωριμίας τους ήταν μόλις 17 ετών. Προοριζόταν για τον ρόλο της ερωμένης και το 1930 ο καλλιτέχνης αγόρασε ένα κάστρο στη Νορμανδία, το οποίο έγινε το σπίτι της, και γι 'αυτόν ένα εργαστήριο. Η Μαρία Τερέζα ήταν πιστή σύντροφος, υπομένοντας σταθερά τη δημιουργική και αγαπησιάρικη ρίψη του δημιουργού, διατηρώντας φιλική αλληλογραφία μέχρι τον θάνατο του Πάμπλο Πικάσο. Έργα της σουρεαλιστικής περιόδου: «Χορός», «Γυναίκα σε πολυθρόνα» (φωτογραφία παρακάτω), «Λουόμενος», «Γυμνό στην παραλία», «Όνειρο» κ.λπ.

Περίοδος του Β' Παγκοσμίου Πολέμου

Η συμπάθεια του Πικάσο κατά τη διάρκεια του πολέμου στην Ισπανία το 1937 ανήκε στους Ρεπουμπλικάνους. Όταν ιταλικά και γερμανικά αεροσκάφη κατέστρεψαν την Γκουέρνικα, το πολιτικό και πολιτιστικό κέντρο των Βάσκων, την ίδια χρονιά, ο Πάμπλο Πικάσο απεικόνισε την πόλη ερειπωμένη σε έναν τεράστιο ομώνυμο καμβά μέσα σε μόλις δύο μήνες. Κυριολεκτικά καταλήφθηκε από φρίκη από την απειλή που έπεφτε σε ολόκληρη την Ευρώπη, η οποία δεν μπορούσε παρά να επηρεάσει το έργο του. Τα συναισθήματα δεν εκφράστηκαν άμεσα, αλλά ενσωματώθηκαν στον τόνο, τη ζοφερότητα, την πικρία και τον σαρκασμό του.

Μετά το τέλος των πολέμων και ο κόσμος ήρθε σε μια σχετική ισορροπία, αποκαθιστώντας όλα όσα είχαν καταστραφεί, το έργο του Πικάσο απέκτησε επίσης πιο χαρούμενα και φωτεινότερα χρώματα. Οι καμβάδες του, γραμμένοι το 1945-1955, έχουν μεσογειακό άρωμα, είναι πολύ ατμοσφαιρικοί και εν μέρει ιδεαλιστικοί. Παράλληλα, άρχισε να ασχολείται με την κεραμική, δημιουργώντας πολλές διακοσμητικές κανάτες, πιάτα, πιάτα,ειδώλια (φωτογραφία πάνω). Τα έργα που δημιουργήθηκαν τα τελευταία 15 χρόνια ζωής είναι πολύ άνισα σε στυλ και ποιότητα.

Ένας από τους μεγαλύτερους καλλιτέχνες του εικοστού αιώνα - ο Πάμπλο Πικάσο - πέθανε σε ηλικία 91 ετών στη βίλα του στη Γαλλία. Τάφηκε κοντά στο κάστρο Vovenart που του ανήκε.