Ρωσικό μπαλέτο του Dyaghilev: ιστορία, ενδιαφέροντα γεγονότα, ρεπερτόριο και φωτογραφίες

2024 Συγγραφέας: Leah Sherlock | [email protected]. Τελευταία τροποποίηση: 2023-12-17 05:32

«Η απολύτως αγνή του αρετή ήταν η αφοσίωσή του στην τέχνη, που καίει με ιερή φωτιά», είπε ο Ρώσος σταρ του μπαλέτου Τ. Καρσαβίνα για τον Σεργκέι Ντιαγκίλεφ.

Γεννημένος στις αρχές του 19ου και του εικοστού αιώνα, ο Sergei Diaghilev κατάφερε να αλλάξει ριζικά τη χορογραφία του μπαλέτου, να αναβιώσει τους ακλόνητους κανόνες του και να δημιουργήσει μια διαφορετική κουλτούρα κοστουμιών και σκηνικών. Ήταν με την έλευση του Ντιαγκίλεφ που εμφανίστηκε στην τέχνη η έννοια του «μπαλέτου του Ντιάγκιλεφ» και του μπαλέτου.

Ρωσικές εποχές στην Ευρώπη

Η ιστορία της εμφάνισης των «Ρωσικών Εποχών» στην Ευρώπη ξεκινά το 1906. Τότε ήταν που ο Σεργκέι Ντιαγκίλεφ, προετοιμάζοντας μια έκθεση τέχνης για το Φθινοπωρινό Σαλόνι του Παρισιού, αποφάσισε να πραγματοποιήσει εκδηλώσεις μεγάλης κλίμακας για να γνωρίσει ευρύτερα το ευρωπαϊκό κοινό με τη ρωσική τέχνη.

Στην αρχή ήταν η ιδέα της διεξαγωγής του «Ρωσικού ιστορικούσυναυλίες", ζωντανεύουν έξοχα. Οι συναυλίες πραγματοποιήθηκαν το 1907 και αποτελούνταν από αριστουργήματα της ρωσικής μουσικής του 19ου και των αρχών του 20ου αιώνα. Και την επόμενη σεζόν, το 1908, προβλήθηκε στο Παρίσι η όπερα του Μ. Μουσόργκσκι "Μπορίς Γκοντούνοφ" με Ο Fyodor Chaliapin στον πρωταγωνιστικό ρόλο.

Η πρώτη σεζόν όπερας και μπαλέτου πραγματοποιήθηκε από τον Diaghilev το 1909.

Έτσι ξεκίνησε η θριαμβευτική πομπή των «Ρωσικών Εποχών» στο εξωτερικό. Οι παραστάσεις οργανώθηκαν με βάση την αρχή της επιχείρησης, δηλαδή όχι με έναν μόνιμο θίασο ηθοποιών, αλλά με την πρόσκληση των καλύτερων σολίστ από διάφορα ρωσικά θέατρα, των καλύτερων καλλιτεχνών να σχεδιάσουν κοστούμια και σκηνικά για παραστάσεις.

Αυτή ήταν μια πραγματική αποκάλυψη για το θεατρικό κοινό στο Παρίσι. Μέχρι τον Πρώτο Παγκόσμιο Πόλεμο, οι σεζόν πραγματοποιούνταν κάθε χρόνο με συντριπτική επιτυχία.

Μπαλέτο του Dyaghilev, αφίσα φωτογραφιών για τη σεζόν του 1911.

Origins: οικογενειακό πάθος για τις τέχνες

Ημερομηνία γέννησης του Sergei Diaghilev - 31 Μαρτίου 1872. Τόπος γέννησης: ένα χωριό στην επαρχία Νόβγκοροντ που ονομάζεται Selishchi. Ο μελλοντικός μαέστρος εμφανίστηκε στην οικογένεια ενός κληρονομικού ευγενή και αξιωματικού Pavel Diaghilev.

Τα παιδικά χρόνια του Σεργκέι πέρασαν πρώτα στην Αγία Πετρούπολη και μετά η οικογένεια μετακόμισε στο Περμ, όπου έζησαν οι Ντιάγκιλεφ μέχρι να αποφοιτήσει ο γιος τους από το γυμνάσιο του Περμ. Το φιλόξενο σπίτι των Diaghilevs στο Περμ ήταν διακοσμημένο με αυθεντικά χαρακτικά από τον Ραφαήλ, τον Ρούμπενς και τον Ρέμπραντ, καταλόγους όλων των κορυφαίων ευρωπαϊκών μουσείων συνωστισμένοι στα ράφια των βιβλιοθηκών.

Εδώ πραγματοποιήθηκαν λογοτεχνικές και μουσικές βραδιές. Ο γιος συνόδευεπιάνο στο ντουέτο του πατέρα και της θετής μητέρας. Με μια λέξη, όχι ένα σπίτι, αλλά το κέντρο της πολιτιστικής ζωής της επαρχίας.

Η δημιουργική και δημιουργική ατμόσφαιρα στο σπίτι συνέβαλε στην ανάδυση μιας γνήσιας λαχτάρας για τέχνη, μιας επιθυμίας να υπηρετήσουν τις μούσες στον νεαρό Σεργκέι Ντιαγκίλεφ.

επιτεύγματα της Πετρούπολης

Τη δεκαετία του '90 του 19ου αιώνα, επέστρεψε στην Αγία Πετρούπολη, όπου βυθίστηκε στη μελέτη διαφόρων επιστημών: μπήκε ταυτόχρονα στο ωδείο και στη νομική σχολή.

Ωστόσο, η ενεργή φύση απαιτούσε πιο συναρπαστικές δραστηριότητες. Στην Αγία Πετρούπολη, ο Σεργκέι Ντιαγκίλεφ βυθίζεται ολοκληρωτικά στην καλλιτεχνική ζωή της πρωτεύουσας, παραμελώντας τη νομολογία και τις σπουδές υπό την καθοδήγηση του Ρίμσκι-Κόρσακοφ.

Η δραστηριότητα και ο ενθουσιασμός της νεολαίας έκαναν καλή πράξη, επιτρέποντας στον νεαρό άνδρα να δείξει εξαιρετικές οργανωτικές δεξιότητες.

Βάζοντας έναν ευγενή στόχο - να δείξει στο ενδιαφερόμενο κοινό τη νέα ρωσική καλλιτεχνική τέχνη, διοργανώνει αρκετές λαμπρές εκθέσεις σύγχρονων και στη συνέχεια άγνωστων καλλιτεχνών. Για να είμαστε δίκαιοι, πρέπει να σημειωθεί ότι αυτές οι εκθέσεις ήταν συχνά αφορμή για αστεία από φειλλετονιστές και θυμωμένα κηρύγματα από κριτικούς τέχνης.

Όμως σύντομα, παρά τις επιθέσεις και τις γελοιότητες, και ίσως χάρη στις σκανδαλώδεις εκθέσεις, ολόκληρη η Πετρούπολη άρχισε να μιλάει για τον Ντιάγκιλεφ.

Με την υποστήριξη των γνωστών θαμώνων Savva Morozov και Maria Klavdievna Tenisheva, αυτός και ο καλλιτέχνης Alexander Benois γίνονται συντάκτες του περιοδικού World of Art. Το σύνθημα του περιοδικού είναι «Τέχνη, καθαρή και ελεύθερη».

Αυτό το σύνθημα για πολλά χρόνια γίνεται για τον Diaghilevκαι αρχές της ζωής. Στους καλλιτέχνες του περιοδικού περιλαμβάνονται οι Ilya Repin, Lev Bakst, Isaac Levitan, Valentin Serov και άλλοι διάσημοι Ρώσοι καλλιτέχνες στο μέλλον. Η εμφάνιση μιας πραγματικής ομάδας ομοϊδεατών, ενωμένη από την εκδοτική επιχείρηση, απέδειξε για άλλη μια φορά ότι ο Σεργκέι Ντιαγκίλεφ δεν είναι τυχαίος άνθρωπος στην τέχνη και είναι περιζήτητος από την ίδια την εποχή.

Το τεύχος του περιοδικού "World of Art" ήταν το πρώτο βήμα προς τις μελλοντικές μεγάλες "Ρωσικές Εποχές". Επειδή ήταν ένα έργο που επιδίωκε εκπαιδευτικούς στόχους και αφιερωμένο τόσο στη ρωσική όσο και στη δυτική κουλτούρα, συγκεντρώνοντας όλες τις σύγχρονες και σύγχρονες μορφές τέχνης.

"Ρωσικές εποχές" και "Ρωσικό μπαλέτο": ποια είναι η διαφορά

Πριν μιλήσουμε περαιτέρω για το ρωσικό μπαλέτο του Diaghilev, είναι απαραίτητο να διαχωρίσουμε την έννοια των "Ρωσικών εποχών" από την έννοια του "Ρωσικού μπαλέτου" με την έννοια με την οποία ο Diaghilev κατανοούσε αυτούς τους τομείς της ρωσικής τέχνης.

Για τον Sergei Pavlovich Diaghilev, οι «Ρωσικές εποχές», ως νέο φαινόμενο στην τέχνη, έλαβε χώρα ή ξεκίνησε το 1906, ήταν από αυτούς, όπως με ορόσημα, που μέτρησε τις δραστηριότητές του, γιόρτασε τις επετείους τους, έδειξε αριθμοί των εποχών σε αφίσες.

"Ρωσικές εποχές" περιλάμβανε εκθέσεις τέχνης, συναυλίες, όπερα και αργότερα μπαλέτο.

Το φαινόμενο του "Ρωσικού μπαλέτου του Ντιαγκίλεφ" συνδέεται με την επιχειρηματικότητα μπαλέτου και την εμφάνιση ασυνήθιστων παραστάσεων μπαλέτου, ετιντ και αριθμών - ως μέρος των προγραμμάτων "Ρωσικές Εποχές", ξεκινώντας το 1909.

Επίσημα, η πρώτη παράσταση του "Ρωσικού μπαλέτου" πραγματοποιήθηκε τον Απρίλιο του 1911 στο Μόντε Κάρλο, η ημερομηνία αυτή θεωρείται η ημερομηνία γέννησης της παράδοσης προβολής μπαλέτου στο εξωτερικό.

In the Talent Fellowship

Ο θρίαμβος της πρώτης σεζόν του ρωσικού μπαλέτου του Diaghilev το 1909 ήταν προκαθορισμένος: η κοινή δουλειά και οι προσπάθειες πολλών ταλαντούχων, ακόμη και λαμπρών, ανθρώπων δεν μπορούν να πάνε χαμένες.

Αποφασίζοντας να αρχίσει να προετοιμάζεται για τη σεζόν, ο S. Diaghilev ζήτησε βοήθεια από την πρίμα του ρωσικού μπαλέτου εκείνης της εποχής - Matilda Kshesinskaya. Ήταν κοντά στην αυτοκρατορική αυλή. Ο μελλοντικός αυτοκράτορας Νικόλαος Β', ακόμη εργένης εκείνη την εποχή, ήταν ερωτευμένος μαζί της. Χάρη στις προσπάθειες της μπαλαρίνας, στον Diaghilev υποσχέθηκε μια μεγάλη επιδότηση 25.000 ρούβλια και την ευκαιρία να πραγματοποιήσει πρόβες στο Ερμιτάζ.

Ο στόχος για τον Diaghilev και μια ομάδα ομοϊδεατών δεν ήταν απλός: η δημιουργία ενός ποιοτικά διαφορετικού τύπου μπαλέτου, στο οποίο θα πρέπει να ανατεθεί ένας ιδιαίτερος ρόλος σε ανδρικά μέρη, κοστούμια και σκηνικά. Σε μια προσπάθεια να επιτύχει «την ενότητα της καλλιτεχνικής σύλληψης και των δεξιοτήτων εκτέλεσης», ο Diaghilev συμμετείχε κυριολεκτικά όλους τους μελλοντικούς συμμετέχοντες στη συζήτηση του υλικού παραγωγής: συνθέτες, καλλιτέχνες, χορογράφους… Όλοι μαζί κατέληξαν σε πλοκές, συζήτησαν τη φύση του μουσική και χορός, μελλοντικά κοστούμια και σκηνικά. Το αποτέλεσμα είναι μια μοναδική σύνθεση καινοτομίας και επαγγελματισμού στη χορογραφία, τη ζωγραφική, τη μουσική.

Ταυτόχρονα, ο Diaghilev αρχίζει να στρατολογεί έναν θίασο, στον οποίο προσκαλεί τους καλύτερους χορευτές μπαλέτου από τα θέατρα Mariinsky και Bolshoi. Ανταποκρίθηκε στην πρόσκληση της επιχειρηματία: Anna Pavlova, MatildaKshesinskaya, Mikhail Fokin με τη σύζυγό του Vera, Ida Rubinstein, Serafima Astafyeva, Tamara Karsavina, Vatslav Nijinsky, Vera Koralli, Alexander Monakhov, Mikhail Mordkin και άλλους χορευτές.

Σχεδιαστές κοστουμιών και σκηνικών: Leon Bakst, Alexander Benois, Nicholas Roerich.

"Ρωσικές εποχές" Diaghilev, θίασος μπαλέτου στα παρασκήνια.

"εποχιακά" εμπόδια

Δεν πήγαν όλα ομαλά κατά την προετοιμασία των πρώτων παραστάσεων μπαλέτου για τις Ρωσικές Εποχές.

Εν μέσω των προβών, επιβλήθηκε απαγόρευση να συνεχίσουν να κρατούνται στο Ερμιτάζ και έκλεισε και η επιδότηση. Το τελευταίο σημείο βρασμού ήταν η άρνηση παροχής κοστουμιών και σκηνικών από το Θέατρο Mariinsky.

Υπήρχαν αρκετοί λόγοι που προκάλεσαν σχεδόν το τέλος της δουλειάς στις «εποχές». Πρώτα, πέθανε ο πρίγκιπας Βλαντιμίρ Αλεξάντροβιτς, ο προστάτης του Ντιαγκίλεφ. Και δεύτερον, η Matilda Kshesinskaya προσβλήθηκε από τον επιχειρηματία επειδή πήρε έναν μικρό ρόλο στο μπαλέτο "Pavilion of Artemis" αντί για τους αναμενόμενους πρωταγωνιστικούς ρόλους.

Παρεμπιπτόντως, ο Diaghilev ήταν ανένδοτος στην επιλογή των πρωταγωνιστών για τους κύριους ρόλους, αυτό είναι ένα μεγάλο "όραμα" του καλλιτέχνη, όταν όλα τα τρέχοντα ή προηγούμενα πλεονεκτήματα του καλλιτέχνη σε αυτό το πλαίσιο αποδείχθηκαν ανίσχυρος. Παρόμοια ιστορία υπήρχε και τη σεζόν που προβλήθηκε το «The Dying Swan» σε μουσική του άγνωστου τότε συνθέτη Saint-Saens. Αρχικά, ο χορογράφος Mikhail Fokine ενέπλεξε τη σύζυγό του Vera Fokina στο χορό, αλλά ο Diaghilev είπε ότι μπορούσε να χορέψει τον κύκνομόνο η Πάβλοβα. Ως αποτέλεσμα, για αρκετές δεκαετίες ο κόσμος δέχτηκε έναν εκπληκτικά εκφραστικό χορό που ερμήνευσε η Άννα Πάβλοβα και ο ιμπρεσάριος, όπως πάντα, αποδείχθηκε σωστός.

Μπαλέτο του Ντιαγκίλεφ στο Παρίσι: Η Άννα Πάβλοβα ως τραυματισμένος κύκνος. Η περιοχή της κοιλιάς της στολής της μπαλαρίνας είναι διακοσμημένη με ένα τεράστιο ρουμπίνι, που συμβολίζει το αίμα από μια πληγή.

Τα φτερά στη φορεσιά και την κόμμωση είναι φυσικά, σαν κύκνο.

Μπαλέτο του Dyagilev: τα κοστούμια για τις παραστάσεις ήταν διακοσμημένα με φυσικά κοσμήματα, κεντημένα με σχέδια. Στη διακόσμηση χρησιμοποιήθηκαν επίσης διάφορα φυσικά υλικά.

Επιστρέφοντας στην ιστορία για τις προετοιμασίες για τα εγκαίνια του ρωσικού μπαλέτου Diaghilev το 1909, πρέπει επίσης να θυμηθούμε το γεγονός ότι ο διευθυντής όλων των αυτοκρατορικών θεάτρων, Telyakovsky, δημιούργησε πρόσθετα εμπόδια. Στην πραγματικότητα, ο συνδυασμός των δυσκολιών που προέκυψαν παρείχε μια ηχηρή αποτυχία για τις Russian Seasons.

Αλλά η αποτυχία δεν έγινε: ο Ντιαγκίλεφ βοήθησε παλιούς φίλους και θαμώνες. Ο πρίγκιπας Argutinsky-Dolgorukov και η κόμισσα Maria (Misya) Sert βοήθησαν στη χρηματοδότηση συγκεντρώνοντας τα απαραίτητα χρήματα.

Το Παρίσι χειροκροτεί: το κοινό σε έκσταση

Το μπαλέτο Diaghilev φτάνει στο Παρίσι τον Απρίλιο του 1909. Η σκηνή του διάσημου θεάτρου Châtelet νοικιάστηκε για προβολή παραστάσεων. Κατά την άφιξη, ξεκίνησαν οι εργασίες για την προετοιμασία του θεάτρου για την υποδοχή νέων παραστάσεων και σκηνικών:

• η σκηνή μεγεθύνθηκε;
• ενημερωμένο εσωτερικό;
• κουτιά είναι τοποθετημένα στους πάγκους.

Οι τελευταίες πρόβες συνεχίζονταν. Χρόνος, επιθυμία και ευκαιρία συνέπεσαν. ΜιχαήλΟ Fokine εισήγαγε τις δικές του ιδέες χορογραφίας στο μπαλέτο, οι οποίες αντιστοιχούσαν στις ιδέες του Diaghilev.

Το ρεπερτόριο του 1909 περιελάμβανε πέντε μπαλέτα που ανέβασε ο αρχάριος χορογράφος Mikhail Fokin:

• "Το Περίπτερο της Αρμίδας" είναι μια παράσταση σε μια πράξη και τρεις πράξεις. Το σενάριο και το σχέδιο που βασίστηκαν σε αυτό γράφτηκαν από τον Alexander Benois, τη μουσική του Nikolai Tcherepnin. Το μέρος της Madeleine και της Armida ερμήνευσε ο V. Coralli, ο Vicomte de Beaugency από τον M. Mordkin. Η σκλάβα της Αρμίδας χόρεψε ο V. Nijinsky.
• "Polovtsian Dances" είναι το μέρος μπαλέτου της όπερας "Prince Igor" σε μουσική του Borodin, όταν το κομμάτι του μπαλέτου πήρε τη μορφή μιας ανεξάρτητης 15λεπτης παράστασης. σκηνογραφία N. Roerich, performers Adolf Bolm, Sofya Fedorova 2η, σολίστ του θεάτρου Mariinsky E. Smirnova.
• Το Το "Fest" είναι μια διαφοροποίηση στη μουσική των εθνικών χορών που συνέθεσαν Ρώσοι συνθέτες - η μαζούρκα του Γκλίνκα, το "Gopak" του Μουσόργκσκι, η πορεία του Ρίμσκι-Κόρσακοφ από το "Χρυσό Κόκορα", η Λέζγκινκα της Γκλίνκα, το τσάρντας του Γκλαζούνοφ. Η «Γιορτή» ολοκλήρωσε την προβολή του ρωσικού μπαλέτου του Ντιάγκιλεφ και σκοπός του ήταν να δείξει στο κοινό όλο το θίασο στους πιο θεαματικούς και χαρακτηριστικούς χορούς. Το γλέντι τελείωσε με ένα θυελλώδες απόσπασμα από τη Δεύτερη Συμφωνία του Τσαϊκόφσκι. Όλα τα αστέρια χόρεψαν μαζί την παδέκατρ, ήταν ένας θρίαμβος για τους καλλιτέχνες.

Λαμπρή συνέχεια

Οι τρεις πρώτες παραστάσεις προβλήθηκαν στις 19 Μαΐου και στις 2 Ιουνίου 1909 έγιναν οι πρεμιέρες των παραστάσεων: "The Sylphs" και "Cleopatra".

Πραγματοποιήθηκε η παράσταση του μπαλέτου "La Sylphides" ή "Chopiniana" με τη συμμετοχή της TamaraKarsavina, Anna Pavlova, Alexandra Baldina, Vaslav Nijinsky σε μουσική από έργα του Chopin, διασκευή του D. Gershwin, ενορχήστρωση των A. Glazunov, A. Lyadov, S. Taneyev, N. Cherepnin.

Τα κοστούμια σχεδιάστηκαν από τον Leon Bakst με βάση λιθογραφίες της Ιταλίδας μπαλαρίνας Maria Taglioni, διάσημη τον 19ο αιώνα, ως Sylph.

Η παράσταση έγινε δεκτή με ενθουσιασμό και ο πίνακας του Σερόφ, βασισμένος στις εντυπώσεις της παράστασης με την εικόνα της Άννας Πάβλοβα, θα γίνει το σήμα κατατεθέν του μπαλέτου του Ντιαγκίλεφ για πολλά χρόνια.

Κλεοπάτρα

Η παράσταση που βασίζεται στην ιστορία του Theophile Gauthier έχει υποστεί σημαντικό εκσυγχρονισμό. Ο Mikhail Fokin εισήγαγε στη νέα μουσική έκδοση, εκτός από τη μουσική του Arensky, έργα των Glazunov, Rimsky-Korsakov, Lyadov, Cherepnin. Το αποτέλεσμα είναι ένα τραγικό τέλος με χορούς που εκφράζουν αληθινό πάθος και θλίψη.

Ο Leo Bakst δημιούργησε σκίτσα για νέες σκηνές και κοστούμια. Η μαγεία της Αρχαίας Αιγύπτου, η μουσική και οι χορευτές δικαίωσαν πλήρως τις προσδοκίες του κοινού με την ασυνήθιστη παράσταση.

Η δράση έγινε στην αυλή του ναού ανάμεσα στα κόκκινα αγάλματα των θεών, με φόντο τα υπέροχα λαμπερά νερά του Νείλου. Το κοινό αιχμαλωτίστηκε από τον αισθησιασμό και την εκφραστικότητα της παραγωγής και την κορυφαία κυρία Ida Rubinstein.

Στη φωτογραφία: Το ρωσικό μπαλέτο του Diaghilev, ο πίνακας του L. Bakst για τον χορό των "επτά πέπλων" της Κλεοπάτρας.

Ο διάσημος Γάλλος συγγραφέας και θεατρικός συγγραφέας Jean Cocteau έγραψε ότι μπορεί κανείς να χαρακτηρίσει εν συντομία το ρωσικό μπαλέτο του Diaghilev ως εξής: «Αυτόγιορτή πάνω από το Παρίσι, που λάμπει σαν το «άρμα του Διονύσου».

Έτσι είναι τελειωμένο και υπέροχο.

Δουλειές και στυλ

Υπήρξαν πολλές επιτυχίες, σκαμπανεβάσματα στην πορεία των σεζόν του Diaghilev. Ήταν όμως ένας ζωντανός οργανισμός σε συνεχή ανάπτυξη. Η επιθυμία για κάτι νέο, η αναζήτηση της τέχνης του πρωτόγνωρου - αυτά είναι τα αποτελέσματα του μεγάλου ιμπρεσάριο.

Sergei Leonidovich Grigoriev, ο μόνιμος διευθυντής και διαχειριστής του θιάσου, πίστευε ότι τα μπαλέτα του Diaghilev αναπτύχθηκαν επίσης από την επιρροή των χορογράφων.

Λίστα χορογράφων που δημιούργησαν νέα στάδια στην ανάπτυξη της τέχνης του μπαλέτου:

• Ο χρόνος της δημιουργικότητας στο entreprise του M. M. Fokin, που ξεκινά το 1909 και συνεχίζεται μέχρι το 1912, επίσης με τη συμμετοχή του δημιουργήθηκαν παραγωγές του 1914. Ο Mikhail Fokin κατάφερε να αλλάξει την κλασική χορογραφία, να αναδείξει τα μέρη του ανδρικού μπαλέτου ως νέες μορφές χορού και να εμπλουτίσει την πλαστικότητα του χορού.
• Η δεύτερη περίοδος στην ανάπτυξη του «Ρωσικού μπαλέτου» είναι τα χρόνια της δουλειάς του V. F. Nijinsky, από το 1912 έως το 1913, 1916. Είναι δύσκολο να υποτιμήσεις την εμπειρία ενός χορευτή και χορογράφου στην προσπάθεια να δημιουργήσει ένα νέο μπαλέτο γεμάτο συναισθήματα, συναισθήματα και εκπληκτική τεχνική.

Μπαλέτο Dyagilev, φωτογραφία του σολίστ και χορογράφου Vaslav Nijinsky.

• Το επόμενο στάδιο στην εισαγωγή καινοτομιών στην τέχνη του μπαλέτου ήταν η εποχή της δουλειάς του L. F. Myasin στον θίασο Diaghilev και καλύπτει την περίοδο από το 1915 έως το 1920, 1928. Ο Myasin, αναπτύσσοντας τις παραδόσεις του Fokine, περιέπλεξε όσο το δυνατόν περισσότερο το μοτίβο χορού, εισάγονταςσπασμένες γραμμές, επιδεξιότητα και κομψότητα κινήσεων, δημιουργώντας παράλληλα το δικό σας μοναδικό στυλ.
• Το τέταρτο στάδιο ανάπτυξης στο μονοπάτι της ανάπτυξης του ρωσικού μπαλέτου του Diaghilev ήταν η περίοδος δημιουργικότητας της Bronislava Nijinska, ξεκινώντας από τις σεζόν 1922 - 1924 και 1926. Αυτή είναι η εποχή του νεοκλασικού στυλ του μπαλέτου.
• Και, τέλος, το πέμπτο στάδιο ανάπτυξης είναι τα χρόνια συνεργασίας με τον Diaghilev George Balanchine από το 1924 έως το 1929. Τα χρόνια που ο χορογράφος κατάφερε να καθιερώσει νέες μορφές του 20ου αιώνα, τις ιδέες των συμφωνικών μπαλέτων, το ιδέα της υπεροχής της έκφρασης έναντι της πλοκής.

Ωστόσο, ανεξάρτητα από το ποιος ήταν ο σκηνοθέτης, το Ρωσικό Μπαλέτο του Diaghilev διατήρησε την ελευθερία αναζήτησης, ήταν σύμβολο πρωτοπορίας και καινοτόμων λύσεων στην τέχνη, ένα προαίσθημα των τάσεων της εποχής.

Για δεκαετίες θα παραμείνει ένα αιχμάλωτο, ελεύθερο και πολυπόθητο Firebird.

Μια λαϊκή ιστορία ή ένας νέος θρίαμβος του μπαλέτου του Ντιαγκίλεφ στο Παρίσι

Μιλώντας για τα παραμυθένια μοτίβα που συνθέτουν πολλές πλοκές παραστάσεων που ανέβηκαν στις σκηνές της Γαλλίας, δεν μπορούμε παρά να θυμηθούμε την πιο επιτυχημένη πρεμιέρα του 1910.

Πρόκειται για μια παραγωγή με θέμα την ιστορία του Firebird, η ιδέα της οποίας γαλουχήθηκε από τον Mikhail Fokin για μεγάλο χρονικό διάστημα. Στην αρχή ο Λιάντοφ έλαβε εντολή να γράψει μουσική, αλλά επειδή δεν άρχισε να τη γράφει ούτε μετά από τρεις μήνες, ο Ντιαγκίλεφ αποφάσισε να απευθυνθεί στον Στραβίνσκι, τον οποίο θεωρούσε τη νέα ιδιοφυΐα της ρωσικής μουσικής.

Ο συνθέτης, ο χορογράφος και ο καλλιτέχνης συνεργάστηκαν στενά στη διαδικασία δημιουργίας του μπαλέτου, βοηθώντας ο ένας τον άλλον, μοιράζοντας δημιουργικές συμβουλές. Ήταν μια ένωση που έδωσε στη σκηνή ένα νέο μπαλέτο, αναμεμειγμένο με τη μοντερνιστική ζωγραφική,φολκλόρ και πρωτοποριακή μουσική. Τα πανέμορφα σκηνικά του Alexander Golovin μετέφεραν τον θεατή σε έναν παραμυθένιο κόσμο.

Η μοναδικότητα ήταν ότι το νέο μπαλέτο του Diaghilev, τα κοστούμια για αυτό ήταν διακοσμημένα με χρυσό και κοσμήματα, κεντημένα με λαϊκά στολίδια και γούνα.

Πρωταγωνιστούν: T. Karsavina - Firebird, Mikhail Fokine - Ivan Tsarevich, V. Fokina - Princess, A. Bulgakov - Koschei.

Χάρη στο μπαλέτο "Firebird" ο κόσμος γνώρισε τον μεγάλο Ρώσο συνθέτη Igor Stravinsky, ο οποίος για τα επόμενα 18 χρόνια θα συνεργαστεί με τον Diaghilev και θα δημιουργήσει πραγματικά εκπληκτική μουσική για τα μπαλέτα "Petrushka", "The Rite of Άνοιξη" και άλλα.

Μπαλέτο του Dyagilev: Firebird, κοστούμια για το μπαλέτο, καλλιτέχνης L. Bakst.

Η σκανδαλώδης αποτυχία της «Παρέλασης»

Όπως κάθε μεγάλος καλλιτέχνης, ο Ντιαγκίλεφ υπέταξε τα πάντα στην ιδέα της καινοτομίας, δεν φοβόταν να είναι «πρόωρος», να πάει κόντρα στο κόκκο.

Πολλές παραστάσεις μπαλέτου ήταν μερικές φορές τόσο πρωτοποριακές στη μουσική, τη χορογραφία ή τη ζωγραφική που παρεξηγήθηκαν από το κοινό και η σημασία τους εκτιμήθηκε πολύ αργότερα.

Έτσι έγινε και με τη σκανδαλώδη αποτυχία της πρεμιέρας στο Παρίσι του "The Rite of Spring" σε μουσική του Στραβίνσκι, με την εξωφρενική χορογραφία του "Faun" του Nijinsky, την πρώτη παράσταση του μπαλέτου "Parade" περίμενε την αποτυχία.

Το μπαλέτο ανέβηκε το 1917. Στο πλαίσιο της παράστασης, η λέξη «παρέλαση» σήμαινε πρόσκληση σε κράχτες και δίκαιους γελωτοποιούς πριν από την παράσταση, προσκαλώνταςκοινό στο περίπτερο του τσίρκου. Με τη μορφή διαφημίσεων έδειχναν στο κοινό μικρά αποσπάσματα από την παράσταση που τους περιμένει.

Αυτό είναι ένα μονόπρακτο μπαλέτο σε μουσική του Enrique Satie, του σκηνογράφου και κοστουμιών Pablo Picasso, το σενάριο του Jean Cocteau, του χορογράφου Leonid Myasin.

Στη φωτογραφία: κοστούμια για το μπαλέτο "Parade", ο Diaghilev με μια νέα παραγωγή στο Παρίσι.

Μερικά από τα κυβιστικά κοστούμια του Πικάσο επέτρεπαν μόνο στους χορευτές να περπατούν στη σκηνή ή να κάνουν μικρές κινήσεις.

Το παριζιάνικο κοινό θεωρούσε τον κυβισμό ως γερμανική δημιουργία στην τέχνη. Και δεδομένου ότι συνεχιζόταν ο Πρώτος Παγκόσμιος Πόλεμος, η παράσταση έγινε αντιληπτή ως κοροϊδία και πρόκληση. Οι παρευρισκόμενοι φώναξαν "Φτου μπόσι!" και όρμησε στη μάχη στη σκηνή. Στον Τύπο, το Ρωσικό Μπαλέτο κηρύχτηκε σχεδόν προδότες των ιδεών της ελευθερίας.

Παρά την πρώτη σκανδαλώδη παράσταση, αυτό το μπαλέτο έγινε ένα μεταβατικό ορόσημο στην τέχνη του 20ου αιώνα, τόσο στη μουσική όσο και στη σκηνική ζωγραφική. Και η μουσική ράγκταϊμ του Σάτι προσαρμόστηκε αργότερα σε σόλο πιάνου.

Η τελευταία περιοδεία και μερικά ενδιαφέροντα γεγονότα από τη ζωή του ρωσικού μπαλέτου

Ο Sergei Diaghilev θεωρείται δικαίως ένας από τους ιδρυτές του ρωσικού show business. Όχι μόνο ενσάρκωσε όλες τις τάσεις της εποχής στη σκηνή, αλλά άνοιξε επίσης το δρόμο για νέες τεχνικές και στυλ σε άλλα επίπεδα: στη ζωγραφική, τη μουσική, τις τέχνες του θεάματος.

Οι "Ρωσικές εποχές" του εξακολουθούν να εμπνέουν δημιουργικούς ανθρώπους να βρουν νέους τρόπους καλλιτεχνικής έκφρασης του χρόνου.

Ειδικά επιτεύγματα και γεγονότα γιαΡωσικό μπαλέτο Diaghilev:

• Υπήρχαν 20 «Ρωσικές εποχές» συνολικά, στις οποίες συμμετείχε το μπαλέτο. Αν και αρχικά ο Diaghilev δεν σχεδίαζε να συμπεριλάβει παραστάσεις μπαλέτου στο πρόγραμμα συναυλιών.
• Για το ανέβασμα του οκτάλεπτου μπαλέτου με αριθμό "Afternoon of a Faun", ο V. Nijinsky πραγματοποίησε συνολικά ενενήντα πρόβες χορού.
• S. Ο Ντιαγκίλεφ ήταν άπληστος συλλέκτης. Το 1929 απέκτησε στη συλλογή του επιστολές του Α. Πούσκιν που απευθύνονταν στη Ν. Γκοντσάροβα. Του παρέδωσαν πριν φύγουν για περιοδεία στη Βενετία. Ο ιμπρεσάριος άργησε στο τρένο και ανέβαλε για λίγο την ανάγνωση των επιστολών μετά το τέλος της ξενάγησης, βάζοντας τα συλλεκτικά σπάνια στο χρηματοκιβώτιο. Αλλά δεν επέστρεψε ποτέ από τη Βενετία.
• Οι τελευταίοι που είδαν τον Diaghilev ήταν η Misya Sert και η Coco Chanel. Ήρθαν να τον επισκεφτούν κατά τη διάρκεια της ασθένειάς του. Πλήρωσαν επίσης την κηδεία του, αφού ο Ντιαγκίλεφ δεν είχε χρήματα μαζί του.
• Το μνημείο του Diaghilev στο ορθόδοξο τμήμα του νεκροταφείου του San Michele είναι χαραγμένο με μια φράση που έγραψε ο μεγάλος ιμπρεσάριος λίγες μέρες πριν από το θάνατό του: "Η Βενετία είναι ο σταθερός εμπνευστής της διαβεβαίωσής μας."
• Ο Igor Stravinsky και ο Joseph Brodsky είναι θαμμένοι κοντά στον τάφο του S. Diaghilev.