Μονόχρωμη ζωγραφική: χαρακτηριστικά, παραδείγματα

2024 Συγγραφέας: Leah Sherlock | [email protected]. Τελευταία τροποποίηση: 2023-12-17 05:32

Οι καλλιτέχνες έχουν από καιρό παρατηρήσει ότι το χρώμα μπορεί να χρησιμοποιηθεί για να προκαλέσει έντονες συναισθηματικές αντιδράσεις στους ανθρώπους. Καλλιτέχνες όπως ο Βαν Γκογκ εμπνεύστηκαν από αυτό για να δημιουργήσουν αριστουργήματα γεμάτα με πολλά χρώματα. Ωστόσο, άλλοι καλλιτέχνες σκέφτονται διαφορετικά. Προσπαθούν να δημιουργήσουν ένα αριστούργημα χρησιμοποιώντας μόνο ένα χρώμα.

Ορισμός

Η μονόχρωμη ζωγραφική είναι ένα έργο τέχνης ζωγραφισμένο με ένα μόνο χρώμα. Στην πραγματικότητα, η λέξη «μονόχρωμη» σημαίνει κυριολεκτικά «μονόχρωμο». Αυτή είναι μια διαφορετική προσέγγιση της τέχνης, ωστόσο, χρησιμοποιείται πολύ ευρύτερα από ό,τι πιστεύουν οι περισσότεροι.

Τεχνική

Πώς δημιουργείται ένας πίνακας εάν χρησιμοποιείται μόνο ένα χρώμα; Το κλειδί σε αυτό είναι ότι, για παράδειγμα, το μπλε και το πράσινο είναι διαφορετικά χρώματα, αλλά το μπλε και το κυανό δεν διαφέρουν. είναι απλώς αποχρώσεις του ίδιου χρώματος. Το λευκό μπορεί να προστεθεί στο βασικό χρώμα, καθιστώντας το πιο ανοιχτό. Θεωρητικά, αυτό μπορεί να συνεχιστεί μέχρι να επιτευχθεί σχεδόν καθαρό λευκό. Ταυτόχρονα, το χρώμα μπορεί να σκουρύνει προσθέτοντας μαύρο. Έτσι οι καλλιτέχνεςμπορεί να ζωγραφίσει μια ολόκληρη εικόνα, αποτελούμενη από γραμμές, στοιχεία και σχήματα σε διαφορετικές αποχρώσεις, τα οποία είναι τεχνικά ένας πίνακας σε ένα χρώμα.

Γιατί να χρησιμοποιήσεις τεχνική μονόχρωμης ζωγραφικής

Οι καλλιτέχνες γνωρίζουν πόσο βαθιά αντανακλάται το χρώμα στα ανθρώπινα συναισθήματα. Οι μονοχρωματικοί πίνακες έχουν γίνει ισχυροί τρόποι πρόκλησης βαθιών προσωπικών εμπειριών, ενθαρρύνοντας περαιτέρω τους καλλιτέχνες να εξερευνήσουν το συναίσθημα και την πνευματικότητα μέσω της μονόχρωμης τέχνης.

Οι καλλιτέχνες μειώνουν τη χρωματική τους παλέτα για πολλούς λόγους, αλλά κυρίως είναι ένας τρόπος να εστιάσουν την προσοχή του θεατή σε ένα συγκεκριμένο θέμα, ιδέα ή τεχνική. Χωρίς όλες τις πολυπλοκότητες της εργασίας στο χρώμα, γίνεται δυνατός ο πειραματισμός με το σχήμα, την υφή, το συμβολικό νόημα.

Η μονόχρωμη ζωγραφική σε μαύρο, λευκό και γκρι ονομάζεται επίσης grisaille.

Ανάπτυξη Κατεύθυνσης

Τα παλαιότερα σωζόμενα έργα δυτικής τέχνης φτιαγμένα σε grisaille δημιουργήθηκαν τον Μεσαίωνα. Σχεδιάστηκαν για να εξαλείφουν όλους τους περισπασμούς και να εστιάζουν το μυαλό. Καθώς το χρώμα διαπερνά την καθημερινή ζωή, το ασπρόμαυρο μπορεί να σηματοδοτήσει μια μετάβαση στον άλλο κόσμο ή να έχει ένα πνευματικό πλαίσιο.

Για κάποιους, το χρώμα ήταν απαγορευμένο φρούτο και απαγορεύτηκε από θρησκευτικές διαταγές που ασκούσαν μια μορφή αισθητικού ασκητισμού. Για παράδειγμα, το βιτρό στην τεχνική grisaille δημιουργήθηκε από τους Κιστερκιανούς μοναχούς τον 12ο αιώνα ως εναλλακτική λύση στα φωτεινά παράθυρα της εκκλησίας, με τα ημιδιαφανή τουγκριζωπά πάνελ, με εικόνες μερικές φορές βαμμένες σε μαύρο και κίτρινο χρώμα. Ελαφρύ και κομψό σε εμφάνιση, η γυάλινη μάσκα παραθύρου κέρδισε δημοτικότητα εκτός παραγγελίας και τελικά έγινε το μοντέλο σε πολλές γαλλικές εκκλησίες.

Μελέτες φωτός και σκιάς

Από τον 15ο αιώνα, οι καλλιτέχνες ζωγραφίζουν ασπρόμαυρο για να αντιμετωπίσουν τις προκλήσεις που τίθενται από τα θέματα και τις συνθέσεις που απεικονίζουν. Η εξάλειψη χρώματος επιτρέπει στους καλλιτέχνες να εστιάσουν στο πώς το φως και η σκιά πέφτουν στην επιφάνεια μιας φιγούρας, ενός αντικειμένου ή μιας σκηνής πριν μετακινηθούν σε έναν πλήρη έγχρωμο καμβά.

Πίνακες ζωγραφικής Grisail

Όλο και περισσότερο, οι πίνακες ζωγραφικής σε grisaille άρχισαν να εμφανίζονται ως ανεξάρτητα έργα τέχνης.

Η Αγία Βαρβάρα του Jan van Eyck (1437, Βασιλικό Μουσείο Καλών Τεχνών Αμβέρσα) είναι το παλαιότερο γνωστό παράδειγμα μονόχρωμης δουλειάς σε πάνελ ζωγραφισμένο με ινδικό μελάνι και λάδι.

Για αιώνες, οι καλλιτέχνες προκαλούν τον εαυτό τους να μιμηθεί την όψη της πέτρινης γλυπτικής στη ζωγραφική. Η Βόρεια Ευρώπη είχε μια γεύση για απατηλά διακοσμητικά στοιχεία, όπως διακοσμητικές τοιχογραφίες και γλυπτό σοβά. Τη μεγαλύτερη επιτυχία σε αυτή την πρακτική πέτυχε ο καλλιτέχνης Jacob de Wit. Το έργο του θα μπορούσε εύκολα να συγκριθεί με ένα τρισδιάστατο ανάγλυφο τοίχου.

Abstraction

Οι αφηρημένοι καλλιτέχνες συχνά στρέφονται στη μονόχρωμη ζωγραφική. Όταν οι καλλιτέχνες έχουν πρόσβαση σε ό,τι είναι δυνατόαποχρώσεις, η έλλειψη χρώματος μπορεί να είναι ακόμη πιο συγκλονιστική ή να προκαλεί σκέψεις. Το 1915, ο Κιεβανός καλλιτέχνης Kazimir Malevich ζωγράφισε την πρώτη εκδοχή του επαναστατικού του Μαύρου Τετράγωνου και ανακοίνωσε ότι ήταν η αρχή ενός νέου είδους μη αναπαραστατικής τέχνης. Το έργο των Josef Albers, Ellsworth Kelly, Frank Stella και Cy Tumbley απεικονίζει τη χρήση ελάχιστου χρώματος για μέγιστο αντίκτυπο.

Καλλιτέχνες που ενδιαφέρονται για τη θεωρία των χρωμάτων και τις ψυχολογικές επιδράσεις του χρώματος (ή την έλλειψή τους) χειρίζονται το φως, τον χώρο και την απόχρωση για να προκαλέσουν μια συγκεκριμένη ανταπόκριση από τον θεατή.

Ζωγραφική με μελάνι

Αυτό το είδος τέχνης επιτρέπει στον καλλιτέχνη να δημιουργεί έντονες περιοχές αντίθεσης. Στις περισσότερες περιπτώσεις, η βαφή με μελάνι είναι η εφαρμογή μαύρου μελανιού σε μια λευκή επιφάνεια, με αποτέλεσμα αυτή την αντίθεση. Για να δημιουργηθούν οι απαραίτητες μεταβάσεις κατά τη σκίαση, χρησιμοποιείται η μέθοδος εφαρμογής πολλών στρωμάτων. Τέτοιες μέθοδοι περιλαμβάνουν, για παράδειγμα, διάφορους τύπους εκκόλαψης.

Μονόχρωμη ζωγραφική της Ιαπωνίας

Αυτό το είδος τέχνης προέρχεται από την Κίνα. Σε αυτό το πολιτιστικό, φιλοσοφικό και καλλιτεχνικό πλαίσιο γεννήθηκε η μονόχρωμη ζωγραφική.

Από όλες τις τέχνες στην Κίνα, η ζωγραφική είναι η πιο σημαντική, αποκαλύπτει το μυστικό του σύμπαντος. Βασίζεται σε μια θεμελιώδη φιλοσοφία, τον Ταοϊσμό, η οποία διατυπώνει σαφείς έννοιες για την κοσμολογία, το πεπρωμένο του ανθρώπου και τη σχέση μεταξύ ανθρώπου και σύμπαντος.

Η ζωγραφική είναι η εφαρμογή αυτής της φιλοσοφίας καθώς διεισδύει στα μυστήρια του σύμπαντος.

Στα παραδοσιακάΗ κινεζική ζωγραφική έχει τέσσερα κύρια θέματα που είναι ουσιαστικά τα ίδια στην ιαπωνική ζωγραφική: τοπία, πορτρέτα, πουλιά και ζώα, λουλούδια και δέντρα.

Στην Ιαπωνία, κατά την εποχή Καμακούρα (1192-1333), την εξουσία κατέλαβαν πολεμιστές (σαμουράι). Σε αυτήν την εποχή, χάρη στο προσκύνημα των μοναχών στην Κίνα και το εμπόριο τους εκεί, ένας μεγάλος αριθμός πινάκων μεταφέρθηκε στην Ιαπωνία. Αυτό το γεγονός επηρέασε πολύ τους καλλιτέχνες που εργάζονταν σε ναούς που παραγγέλθηκαν από θαμώνες και συλλέκτες έργων τέχνης (σογκούν).

Η εισαγωγή όχι μόνο ενέπνευσε μια αλλαγή στη θεματολογία, αλλά προώθησε επίσης μια καινοτόμο χρήση του χρώματος: το yamato-e (ζωγραφική με κύλινδρο 9ου-10ου αιώνα) αντικαταστάθηκε από κινεζικές μονόχρωμες τεχνικές.

Τα καταπληκτικά έργα των μεγάλων βουδιστών δασκάλων και ζωγράφων των δυναστείων Τανγκ και Σονγκ, πίνακες γραμμένοι με μαύρο κινέζικο μελάνι, ονομάζονταν suibok-ga ή sumi-e στην Ιαπωνία (τέλη 13ου αιώνα). Αυτό το στυλ ζωγραφικής μονοπωλήθηκε αρχικά από τους βουδιστές Ζεν και στη συνέχεια υιοθετήθηκε από μοναχούς και καλλιτέχνες εμποτισμένους με αυτό το πνεύμα, και για πολύ καιρό η ζωγραφική με μαύρο μελάνι και η ζωγραφική Ζεν (Zenga) ήταν πρακτικά αχώριστες.

Ο μεγαλύτερος δάσκαλος του σούμι αυτής της περιόδου είναι ο Sesshu Toyo (1420-1506), ένας μοναχός από το Κιότο που σπούδασε ζωγραφική μελανιού στην Κίνα. Ο Sesshu ήταν ο μόνος καλλιτέχνης που αφομοίωσε τη φιλοσοφική βάση αυτού του είδους ζωγραφικής και την ενσάρκωσε με ένα πρωτότυπο πνεύμα σε ιαπωνικά θέματα και καλλιτεχνική γλώσσα, καθώς και σε σχέση με τις χωρικές αναπαραστάσεις των κινεζικώνκαλλιτέχνες εκείνης της εποχής.