Ο Willem de Kooning και η ζωγραφική του

2024 Συγγραφέας: Leah Sherlock | [email protected]. Τελευταία τροποποίηση: 2023-12-17 05:32

Ο Willem de Kooning γεννήθηκε στις 1904-04-24 στο Ρότερνταμ (Ολλανδία). Καθοδηγούμενος από ένα οξύ οξυδερκές μυαλό, μια ισχυρή εργασιακή ηθική και μια έντονη αμφιβολία για τον εαυτό του – σε συνδυασμό με την αποφασιστικότητα να πετύχει – ο χαρισματικός ντε Κούνινγκ έγινε ένας από τους πιο σημαντικούς Αμερικανούς καλλιτέχνες του 20ου αιώνα.

Σπουδές και μετακόμιση στις ΗΠΑ

Δείχνοντας ενδιαφέρον για την τέχνη από μικρή ηλικία, ο Willem ήταν ήδη μαθητευόμενος σε μια κορυφαία εταιρεία σχεδιασμού σε ηλικία 12 ετών και, με την υποστήριξή της, μπήκε στο νυχτερινό σχολείο της διάσημης Ακαδημίας Καλών Τεχνών και Τεχνολογίας του Ρότερνταμ, η οποία μετονομάστηκε προς τιμήν του το 1998, ονομάστηκε Ακαδημία Willem de Kooning.

Το 1926, με τη βοήθεια του φίλου του Leo Kogan, ταξίδεψε με ένα πλοίο για τις Ηνωμένες Πολιτείες και εγκαταστάθηκε στη Νέα Υόρκη. Εκείνη τη στιγμή δεν φιλοδοξούσε τη ζωή του καλλιτέχνη. Μάλλον, όπως πολλοί νέοι Ευρωπαίοι, είχε τη δική του εκδοχή του αμερικανικού ονείρου (μεγάλα χρήματα, κορίτσια, καουμπόηδες κ.λπ.). Ωστόσο, μετά από μια σύντομη θητεία ως ζωγράφος σπιτιών, έγινε επαγγελματίας ζωγράφος, βυθίζοντας τον εαυτό του στις τέχνες και τον κόσμο της τέχνης της Νέας Υόρκης, κάνοντας φίλο με αξιόλογους όπως ο Stuart Davis και ο Arshile Gorky.

Σχολείο Νέας Υόρκης

Το 1936, κατά τη διάρκεια της Μεγάλης Ύφεσης, ο de Kooning εργάστηκε στο Τμήμα Τοιχογραφιών της Διοίκησης Δημοσίων Έργων των ΗΠΑ. Η εμπειρία που απέκτησε τον έπεισε να αφοσιωθεί ολοκληρωτικά στη ζωγραφική.

Στα τέλη της δεκαετίας του '50. Ο de Kooning και οι σύγχρονοί του στη Νέα Υόρκη, συμπεριλαμβανομένων των Franz Kline, Jackson Pollock, Robert Motherwell, Adolph Gottlieb, Ad Reinhardt, Barnett Newman και Mark Rothko, έγιναν διάσημοι για την απόρριψη των αποδεκτών στιλιστικών κανόνων όπως ο περιφερειακισμός, ο σουρεαλισμός και ο κυβισμός. σχέση μεταξύ προσκηνίου και φόντου και χρήση χρώματος για τη δημιουργία συναισθηματικών, αφηρημένων χειρονομιών. Αυτό το κίνημα έχει ονομαστεί με πολλούς τρόπους - και ζωγραφική δράσης, και αφηρημένος εξπρεσιονισμός, και απλά η σχολή της Νέας Υόρκης.

Πριν από αυτό, το Παρίσι θεωρούνταν το κέντρο της avant-garde και ήταν δύσκολο για αυτήν την ομάδα φιλόδοξων Αμερικανών καλλιτεχνών να ανταγωνιστεί την καινοτόμο φύση του έργου του Πικάσο. Όμως ο ντε Κούνινγκ είπε ωμά: Ο Πικάσο είναι ένας άνθρωπος που πρέπει να ξεπεραστεί. Ο Willem και η ομάδα του έχουν επιτέλους τραβήξει τα βλέμματα - είναι υπεύθυνοι για την ιστορική αλλαγή της προσοχής στη Νέα Υόρκη κατά τα χρόνια μετά τον Β' Παγκόσμιο Πόλεμο.

Ανάμεσα στους συνομηλίκους του, ο de Kooning έγινε γνωστός ως «ο ζωγράφος των καλλιτεχνών» και στη συνέχεια κέρδισε την αναγνώριση το 1948 με την πρώτη του ατομική έκθεση στην γκαλερί Charles Egan σε ηλικία 44 ετών. Υπήρχαν πίνακες ζωγραφικής, βαριά επεξεργασμένοι σε λάδι και σμάλτο, συμπεριλαμβανομένων των διάσημων ασπρόμαυρων καμβάδων του. Αυτή η έκθεση ήταν σημαντική για τη φήμη του Κούνινγκ.

Λίγο μετά, το 1951Την ίδια χρονιά, έκανε μία από τις πρώτες του μεγάλες πωλήσεις όταν έλαβε το μετάλλιο Logan και το βραβείο του Ινστιτούτου Τέχνης του Σικάγο για τη μεγαλειώδη αφαίρεση του, The Excavation (1950). Αυτός είναι ίσως ένας από τους σημαντικότερους πίνακες του 20ου αιώνα. Ταυτόχρονα, ο ντε Κούνινγκ εξασφάλισε την υποστήριξη δύο κορυφαίων κριτικών της Νέας Υόρκης - του Κλέμεντ Γκρίνμπεργκ και στη συνέχεια του Χάρολντ Ρόζενμπεργκ.

Αποχώρηση από την αφαίρεση

Η επιτυχία του Willem de Kooning δεν έχει αποδυναμώσει την ανάγκη του για έρευνα και πειραματισμό. Το 1953, συγκλόνισε τον κόσμο της τέχνης με μια σειρά από επιθετικά σχέδια εικαστικών κομματιών που είναι κοινώς γνωστά ως πίνακες "Γυναίκες". Αυτές οι εικόνες ήταν περισσότεροι τύποι ή εικονίδια παρά πορτρέτα ανθρώπων.

Η επιστροφή του σε φιγούρες θεωρήθηκε από ορισμένους ως προδοσία των αφηρημένων εξπρεσιονιστικών αρχών. Έχασε την υποστήριξη του Γκρίνμπεργκ, αλλά ο Ρόζενμπεργκ παρέμεινε πεπεισμένος για τη σημασία του. Το Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης στη Νέα Υόρκη είδε την αλλαγή του στυλ του Κούνινγκ ως πρόοδο στη δουλειά του και το 1953 απέκτησε τον πίνακα Γυναίκα Ι (1950–1952). Αυτό που φαινόταν στιλιστικά αντιδραστικό σε κάποιους ήταν ξεκάθαρα πρωτοποριακό για άλλους.

Αύξηση στη φήμη το 1948-1953 ήταν μόνο η πρώτη πράξη σε μια αξιοσημείωτη καριέρα ως καλλιτέχνης. Παρά το γεγονός ότι πολλοί από τους συγχρόνους του ανέπτυξαν το δικό τους ώριμο συγγραφικό ύφος, το διερευνητικό πνεύμα του ντε Κούνινγκ δεν επέτρεπε έναν τέτοιο περιορισμό. Αγωνιζόμενος με την προσκόλληση σε οποιοδήποτε δόγμα, συνέχισε να εξερευνά νέα στυλ και μεθόδους, συχνά αμφισβητώντας τα δικά του. «Πρέπει να αλλάξουμε για να το κάνουμεμείνε ο ίδιος», είναι μια από τις συχνά αναφερόμενες παρατηρήσεις του.

Στον πίνακα Marilyn Monroe του 1954, ο Willem de Kooning μείωσε το ποπ εικονίδιο στα πιο αναγνωρίσιμα χαρακτηριστικά του - μια μαύρη μύγα και ένα φαρδύ κόκκινο στόμα.

Από το σχέδιο στη χαρακτική

Ο De Kooning ήταν εξίσου άνετος χρησιμοποιώντας χαρτί και καμβά. Όμως το πρώτο παρείχε την αμεσότητα του αποτελέσματος που τον τράβηξε. Από τον Σεπτέμβριο του 1959 έως τον Ιανουάριο του 1960, ο καλλιτέχνης παρέμεινε στην Ιταλία, κατά τη διάρκεια της οποίας δημιούργησε μεγάλο αριθμό πειραματικών ασπρόμαυρων έργων σε χαρτί, γνωστά ως «Ρωμαϊκά σχέδια». Όταν επέστρεψε, πήγε στη Δυτική Ακτή. Στο Σαν Φρανσίσκο, ο ντε Κούνινγκ δούλεψε με πινέλο και μελάνι, αλλά, το πιο ενδιαφέρον, πειραματίστηκε με τη λιθογραφία. Οι δύο προκύπτουσες εκτυπώσεις (γνωστές ως Waves I και Waves II) είναι βασικά παραδείγματα αφηρημένων εξπρεσιονιστικών εκτυπώσεων.

Οδηγίες μάχης

Στα τέλη της δεκαετίας του '50, ο Willem de Kooning πέρασε από τις γυναίκες στα γυναικεία τοπία, και περαιτέρω σε αυτό που φαινόταν να είναι μια επιστροφή στην «καθαρή» αφαίρεση. Τα έργα αυτά ονομάζονταν αντίστοιχα «αστικά», «λεωφόρος» και «ποιμαντικά» τοπία. Μια σειρά από τοπία του Willem de Kooning - Police Gazette, Gotham News, Parc Rosenberg, Door to the River, Suburb στην Αβάνα κ.λπ. Ποτέ όμως δεν έφυγε τελείως από τον κόσμο των πραγματικών αντικειμένων για καθαρή αφαίρεση. Το 1960 είπε ότι «σήμερα, αν το καλοσκεφτείς, είναι παράλογο να δημιουργείς μια εικόνα ενός ανθρώπου με μπογιές, αφού έχουμε αυτό το πρόβλημα - να το κάνουμε ή να μην το κάνουμε. Αλλά ξαφνικά ακόμη περισσότεροη απραξία γίνεται παράλογη. Επομένως, φοβάμαι ότι θα πρέπει να ακολουθήσω τις επιθυμίες μου». Η ανθρώπινη φιγούρα έχει επιβεβαιωθεί, τώρα στην πιο σαρκική της μορφή.

Μετακίνηση στο Λονγκ Άιλαντ

Το 1963 ο de Kooning μετακόμισε από τη Νέα Υόρκη στο Springs στο East Hampton στο Long Island. Χειριζόμενος τον χώρο σαν γλύπτης, σχεδίασε και έχτισε ένα ευάερο, γεμάτο φως στούντιο και ένα σπίτι σε μια ήσυχη, δασώδη περιοχή όπου εργαζόταν τη δεκαετία του 1960 προτού τελικά μετακομίσει εκεί το 1971.

Το φως και το τοπίο του East Hampton του θύμισε την πατρίδα του την Ολλανδία και το μεταβαλλόμενο περιβάλλον αντικατοπτρίστηκε στη δουλειά του. Τα χρώματα έχουν απαλύνει, οι φιγούρες έχουν γίνει πιο συμβατικές στο σώμα, αντί για θυμωμένες και οδοντωτές γυναίκες, εμφανίστηκαν πιο χορευτικά και δελεαστικά κορίτσια. Συνέχισε να πειραματίζεται με μπογιές, προσθέτοντας νερό και λάδι καρδάμου. Αυτό τα έκανε να γλιστρούν και να ήταν υγρά, με τα οποία πολλοί ήταν εξαιρετικά δύσκολο να δουλέψουν.

Πειράματα της δεκαετίας του '70

Κατά τη διάρκεια ενός σύντομου ταξιδιού στην Ιταλία το 1969, μετά τη συνάντησή του με τον φίλο του Χερζλ, ο Εμμανουέλ ντε Κουνινγκ δημιούργησε 13 μικρές πήλινες φιγούρες που στη συνέχεια χυτεύτηκαν σε μπρούτζο.

Στις αρχές της δεκαετίας του '70 εξερεύνησε τόσο τη γλυπτική όσο και τη λιθογραφία ενώ συνέχισε να ζωγραφίζει και να μολύβι. Την περίοδο αυτή εμφανίζονται περισσότερα γραφικά στοιχεία στους πίνακές του. Μερικά έγιναν με απλή εφαρμογή βαφής χωρίς τη χρήση πιο ζωγραφικής προσέγγισης. Αυτό μπορεί να έχει επηρεαστεί από την ιαπωνική τέχνη και το σχέδιο, με τα οποία εξοικειώθηκε κατά τη διάρκεια της παραμονής τουΙαπωνία στις αρχές της δεκαετίας του 1970. Οι λιθογραφίες του φαίνεται να αντανακλούν επιρροές από το ιαπωνικό μελάνι και την καλλιγραφία, μεταφέροντας μια αίσθηση ανοιχτού χώρου που με τη σειρά του αντικατοπτρίζεται σε μερικούς από τους πίνακες του de Kooning.

Η δεκαετία της δεκαετίας του 1970 σημαδεύτηκε πρώτα από πειραματισμούς με υλικά και μετά από ανακαλύψεις. Μέσα από ή ενάντια στη δημιουργική αναζήτηση, στα τέλη της δεκαετίας του 1970 έγινε μάρτυρας μιας παραγωγικής περιόδου κατά την οποία ο καλλιτέχνης δημιούργησε ηδονικά, πολύχρωμα έργα που συγκαταλέγονται στις πιο αισθησιακές αφαιρέσεις του.

Serene 80s

Η οπτική πάλη είναι ο δείκτης μεγάλου μέρους της καριέρας του Willem de Kooning. Την τελευταία δεκαετία είχε την τύχη να διαλύσει κάποια από αυτά. Απομακρυνόμενοι από τη μεθοδολογία της λείανσης, της ζωγραφικής, της στρώσης, της απόξεσης, της περιστροφής του καμβά και της επανειλημμένης εσοχής για την προβολή κάθε αλλαγής, οι μειωμένοι και μερικές φορές γαλήνιοι πίνακες της δεκαετίας του '80 μπορούν να θεωρηθούν ως η απόλυτη σύνθεση καμπυλότητας και αφαίρεσης, ζωγραφικής και σχεδίου., και ισορροπία και ανισορροπία.

Από χρόνο σε χρόνο κατά τη διάρκεια της δεκαετίας του 1980, ο καλλιτέχνης εξερευνούσε νέες μορφές εικονιστικού χώρου, και αυτό αποδεικνύεται από τα έργα του Willem de Kooning με αιθέρια περάσματα που μοιάζουν με κορδέλα ή με κονσόλες μέσα από τις οποίες οι ευθείες γραμμές μπορούν να επιπλέουν ή απότομα στάση και ισορροπία σε ανοιχτούς χώρους, χώρους ή πολυσύχναστους, τολμηρούς, λυρικούς χώρους. Έντονα χρώματα, κυρίως γραμμικά στοιχεία αντιπαρατίθενται με λευκές περιοχές με λεπτούς τόνους. Με την ειλικρίνειά τουΜε την τάση να αγκαλιάζει τα εγκόσμια, ο ντε Κουνινγκ ήταν ελεύθερος να απεικονίσει μη διανοητικούς, κοσμικούς ή χιουμοριστικούς χαρακτήρες που μερικές φορές είναι χειροπιαστοί στους αφηρημένους πίνακές του. Αυτό δείχνει και πάλι την επιμονή του στην ελευθερία από τις δογματικές ιδέες σχετικά με το τι πρέπει να είναι η τέχνη.

Αυτό αντικατοπτρίζεται στον αυθορμητισμό και την απλότητα των περιστασιακών τίτλων που έδωσε σε πολλά έργα τη δεκαετία του 1980: "Key and Parade", "Cat Meow" και "Deer and Lampshade". Ο De Kooning έχει φτάσει σε ένα πιο ανοιχτό και λιγότερο ανήσυχο σημείο στην καλλιτεχνική του καριέρα.

Τελευταία χρόνια

Ο Ντε Κούνινγκ ζωγράφισε τον τελευταίο του πίνακα το 1991. Πέθανε το 1997 σε ηλικία 92 ετών μετά από μια ασυνήθιστα μακρά, πλούσια και επιτυχημένη καριέρα. Ο De Kooning δεν σταμάτησε ποτέ να εξερευνά και να επεκτείνει τις δυνατότητες της τέχνης του, αφήνοντας μια μόνιμη εντύπωση σε Αμερικανούς και διεθνείς καλλιτέχνες και λάτρεις της τέχνης.

Παγκόσμια αναγνώριση

Κατά τη διάρκεια της ζωής του, ο καλλιτέχνης Willem de Kooning έλαβε πολλές τιμές, συμπεριλαμβανομένου του Προεδρικού Μετάλλου της Ελευθερίας το 1964. Η δουλειά του έχει παρουσιαστεί σε χιλιάδες εκθέσεις και βρίσκεται στις μόνιμες συλλογές πολλών από τα καλύτερα ιδρύματα τέχνης, συμπεριλαμβανομένων στο Μουσείο Stedelijk στο Άμστερνταμ, στην Tate Modern στο Λονδίνο, στην Εθνική Πινακοθήκη της Αυστραλίας στην Καμπέρα, στο Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης της Νέας Υόρκης και στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης, στο Ινστιτούτο Τέχνης του Σικάγο, στο Μουσείο Hirshhorn και στην Εθνική Πινακοθήκη Τέχνη στην Ουάσιγκτον.

Ο πίνακας του Willem de Kooning "Exchange" (1955) στους Sotheby's το 1989 ήτανπωλήθηκε για 20,6 εκατομμύρια δολάρια. Την ίδια χρονιά, έλαβε το Imperial Prize της Japan Art Association. Και το 2006, ο πίνακας "Woman III" αγοράστηκε για 137,5 εκατομμύρια δολάρια, και έγινε ένας από τους πιο ακριβούς πίνακες στον κόσμο.